Der Prado ist ein Zeugnis für den kulturellen Reichtum Madrids. Egal, wie oft wir Las Meninas oder den Garten der Lüstegesehen haben, es lohnt sich, wiederzukommen und sich von den Tausenden von Schätzen überraschen zu lassen. Allerdings zwingt uns die Größe des Gebäudes oft dazu, uns direkt auf das Wesentliche zu konzentrieren. Es ist praktisch unmöglich, die gesamte Sammlung zu besichtigen, zumindest nicht an einem Tag. Deshalb ist es eine ungeschriebene Regel, vor dem Betreten des Museums einen Führer mit den wichtigsten Werken zur Hand zu haben.
David besiegt Goliath von Caravaggio
Dieses 2023 restaurierte Werk von Michelangelo Merisi (auch bekannt als „il Caravaggio“) zeigt den Ausgang einer berühmten biblischen Episode: den im Alten Testament(Samuel, Kapitel 17) geschilderten Kampf zwischen Philistern und Israeliten, der mit dem Tod des Riesen Goliath durch die Hand von David endet.
Das Spiel von Licht und Schatten, der Gesichtsausdruck Goliaths und die schlichte Kleidung Davids weisen darauf hin, dass es sich um ein ausgesprochenes Barockgemälde handelt. Es zeichnet sich durch seine Düsternis und Dramatik aus, Eigenschaften, die in Caravaggios großartigem künstlerischen Vermächtnis wiederkehren.
📍Standort: Stockwerk 1, Saal 7A
Der Garten der Lüste der Erde, von Bosch
Der Garten der Lüste unterstreicht die Vergänglichkeit der sündigen Vergnügungen und die fatalen Folgen, wenn man ihnen verfällt. Das Triptychon stellt viele Ideen der christlichen Moral durch Figuren und Räume dar. Jedes Element ist sorgfältig gemalt, von den mythologischen Kreaturen bis zu den unmöglichen Landschaften, aus denen das Werk besteht.
Die drei Szenen des Triptychons haben einen wichtigen Punkt gemeinsam: die Sünde. Die linke Tafel zeigt Eva, die die Hauptschuld an ihrer Vertreibung aus dem Paradies trägt, und die Schlange, die im Gemälde versteckt ist. Die mittlere Tafel zeigt die Todsünden in einer scheinbar idyllischen Welt, während die rechte, in dunkleren Tönen gehaltene Tafel eine Darstellung der Hölle zeigt, in der die irdischen Sünden (vor allem die Lust) bestraft werden.
Es handelt sich um eines der wichtigsten Gemälde der Sammlung, da es eine komplexe Symbolik aufweist und vor allem die phantastische Vorstellungskraft des Künstlers zeigt, die zahlreiche Künstler inspiriert hat.
📍Standort: Etage 0, Raum 56A
Die drei Grazien
Diese drei Göttinnen sind die Schönheit, die Freude und der Reichtum. Rubens malte dieses Bild um 1635 für sich selbst, und es blieb bis zu seinem Tod in seiner eigenen Sammlung. Die Gesichter der jungen Frauen sind von seinen Porträts von Helena Fourment inspiriert, mit der er zum Zeitpunkt der Fertigstellung des Werks seit etwa fünf Jahren verheiratet war.
📍Standort: Stockwerk 1, Saal 29
Die Verkündigung, von Fra Angelico
Es gibt keine Worte, um die Farbenpracht dieses Gemäldes (vor allem die Blautöne) zu beschreiben , die der Erfahrung entsprechen, es live und direkt zu sehen, und noch mehr nach der Restaurierung, die Almudena Sánchez 2019 durchgeführt hat – Sie können das Vorher und Nachher in diesem interaktiven Bild sehen –. Es gilt als eines der ersten Meisterwerke von Fra Giovanni de Fiesole – dem Namen, unter dem Fra Angelico bis zu seinem Tod bekannt war – und wurde zwischen 1425 und 1426 für das Kloster des Heiligen Dominikus in Fiesole gemalt.
Darin stellt Angelico sowohl die Vertreibung von Adam und Eva aus dem Paradies als auch die Verkündigungsszene selbst mit einer Detailgenauigkeit (in der Vegetation und bei den Gegenständen) und einer Architektur dar, die zeigt, dass er die malerischen Veränderungen seiner Zeit genau verfolgt hat. Es ist eines jener Gemälde, bei denen es sich lohnt, innezuhalten und sich Zeit zu nehmen, um alle Details zu betrachten und zu würdigen.
📍Standort: Etage 0, Raum 056B
Die Eremitage von San Isidro am Tag des Festes, von Goya
Allein das Prado-Museum beherbergt mehr als die Hälfte der Werke des aragonesischen Malers: eine umfangreiche Sammlung von 1 207 Werken, darunter Gemälde, Zeichnungen und Drucke, darunter natürlich einige der bekanntesten Werke des Künstlers. Neben diesen Titeln verdienen jedoch auch die Szenen, die er Madrid gewidmet hat, wie die, die wir hier behandeln, besondere Aufmerksamkeit.
Die Skizze zeigt die Feier des Tages des Heiligen Isidor am Fuße der Kapelle, wo sich die Madrilenen versammelten, um das Wasser aus der wundertätigen Quelle zu trinken. Majos und Majas in ihren traditionellen Kostümen, lange Warteschlangen und das charakteristische , klare Mai-Licht zeigen uns, dass sich manche Dinge trotz der langen Zeit, die vergangen ist, nicht so sehr verändert haben.
📍Standort: Etage 2, Raum 094
Stilleben mit Blumen, vergoldetem Silberbecher, Mandeln, Trockenfrüchten, Bonbons, Brötchen, Wein und einem Zinnkrug, von Clara Peeters
Eine der wenigen Künstlerinnen, deren Werke im Prado ausgestellt sind, ist Clara Peeters, über die wir nur das wissen , was wir aus dem Studium ihrer Gemälde ableiten können: Ihre Autorenliste im Museum ist mit losen biografischen Fragmenten und Fragezeichen versehen, obwohl mit Sicherheit bekannt ist, dass ihr erstes Gemälde aus dem Jahr 1607 stammt.
Fast alle ihre Werke, wie dieses von 1611, sind Stillleben – auch weil der begrenzte Zugang zur Kultur den Frauen zu jener Zeit nur das erlaubte. Das Gemälde, das auf halbem Weg zwischen Stillleben und wissenschaftlicher Illustration liegt, zeigt das klare Bestreben, Gegenstände so realitätsgetreu wie möglich darzustellen.
Und dem aufmerksamen Auge werden die Selbstporträts, die er in dem goldenen Becher und dem Zinnkrug in Form von Spiegelungen eingefangen hat , nicht entgehen – man kann sie genauer sehen, wenn man das Gemälde hier vergrößert oder, noch besser, wenn man es in situbetrachtet –.
📍Standort: Etage 2, Raum 082
Der Triumph des Todes von Bruegel dem Älteren
Unabhängig vom sozialen Status, vom Alter, von der Schönheit, vom Beruf oder vom Glauben ist der Tod für alle gleich. Die karge, verwüstete Stadt ist ein häufiges Thema im Mittelalter, und außerdem scheint die Komposition dieses Gemäldes von Bruegel dem Älteren von einem Bezugspunkt in der Kunst der damaligen Zeit, insbesondere in den Niederlanden, beeinflusst zu sein: Hieronymus Bosch. Dieses Memento mori wurde von Königin Isabella von Farnese im Palast von La Granja aufbewahrt und ist heute eines der Schlüsselwerke des Prado-Museums.
📍Standort: Stockwerk 0, Saal 55A
Der Gentleman mit der Hand auf der Brust, El Greco
Die Porträts der großen Meister, wie dieses von El Greco, fesseln das Auge, ohne dass man viel verstehen muss. Die Anziehungskraft wird noch verstärkt, wenn man nicht einmal weiß, wer der Dargestellte ist, wie im Fall des Herren mit der Hand auf der Brust . Das schwarze Seidenwams und die schmale Halskrause versetzen ihn in das Spanien des späten 16. Jahrhunderts. Die Position der Hand und die halb verborgene Medaille sind ungewöhnliche Wendungen, die auf das Potenzial des Malers hindeuten, da es sich um ein frühes Werk handelt.
Über die Identität des Dargestellten wurde viel spekuliert, und es wurde sogar vermutet, dass es sich um Miguel de Cervantes handelt, aber der Prado hat sich für den dritten Marquis von Montemayor, Juan de Silva y de Ribera, entschieden, einen Zeitgenossen El Grecos, der von Philipp II. zum Aufseher oder militärischen Leiter des Alcázar von Toledo und zum Notar des Königreichs ernannt wurde.
📍Standort: 1. Stock, Saal 9B
Der 3. Mai in Madrid oder Goyas Fusillamientos (Die Hinrichtung von Goya)
Man kann das Prado-Museum nicht verlassen, ohne ein weiteres großes Werk Goyas gesehen zu haben, das nicht nur Teil der spanischen Geschichte ist, sondern auch Teil der Identität Madrids.
Nach dem Unabhängigkeitskrieg kehrte Ferdinand VII. 1814 nach Spanien zurück, zeitgleich mit dem Gedenken an den 2. Mai 1808. In diesem Zusammenhang gab die Regentschaft zwei emblematische Gemälde bei Goya in Auftrag: Der Kampf mit den Mamelucken und Das Erschießungskommando am 3. Mai. Diese Werke stellen den Angriff der Madrider Bevölkerung auf die Truppen Murats und die anschließenden französischen Repressalien dar.
Obwohl man annahm, dass sie für die Öffentlichkeit bestimmt waren, zeigen Dokumente, dass sie für den Königspalast bestimmt waren, nachdem sie von Ferdinand VII. finanziert worden waren. Goya hielt die Dramatik der Ereignisse fest, indem er Szenen wie die Puerta de la Vega und emotionsgeladene Figuren hervorhob. Durch die Restaurierung im Jahr 2008 wurde der ursprüngliche Glanz wiederhergestellt und die visuelle und technische Wirkung des Gemäldes bekräftigt.
📍Standort: Etage 0, Saal 64
Der Kanal von Mancorbo in den Picos de Europa von Carlos de Haes
Außerhalb der Liste der großen Werke des Prado-Museums gibt es Raum für reine Schönheit und einfachen Genuss in Werken wie denen von Carlos de Haes.
Dieser Panoramablick auf die Picos de Europa ist sein bedeutendstes Gemälde des 19. Jahrhunderts in Spanien. Das Werk des aus Málaga stammenden Belgiers ist sehr produktiv, und ein großer Teil der Natur der Halbinsel lässt sich in seinen Gemälden entdecken.
Das Thema ist jedoch in der spanischen Bildtradition nicht sehr verbreitet, so dass der Besuch dieses bergigen Helldunkels eine Abwechslung zu den zahlreichen monarchischen und kirchlichen Porträts darstellt, die an den Wänden des Museums vorherrschen.
📍Standort: Stockwerk 0, Saal 63A
Saturn, Francisco de Goya y Lucientes
Der Saturn ist wahrscheinlich eines der makabersten Werke von Francisco de Goya y Lucientes. Es gehört zu der Serie der Schwarzen Gemälde und stellt das mythologische Thema des Saturn, des römischen Gottes der Zeit, dar. Saturn, der sich von einer Vorahnung des Orakels leiten ließ (das warnte, dass er von einem seiner Kinder gestürzt werden würde), verschlang seine Kinder, sobald sie geboren wurden. So ging es bis zur Geburt von Zeus, der schließlich seinen Vater tötete und ihn dazu brachte, seine Geschwister auszuspucken.
In Goyas Gemälde stellt der Künstler den Moment dar, in dem eines seiner Opfer zerrissen wird. Goyas Vision ist zweifellos blutrünstiger und grausamer als andere Versionen des Mythos (wie z. B. die von Rubens, die Sie im Saal 016B finden), die sich an der Dunkelheit, Grausamkeit und Rohheit seiner Schwarzen Gemälde orientieren. Besonders hervorzuheben ist die expressionistische Seite des Gemäldes, die sich im Gesicht des Saturn mit kräftigen Pinselstrichen, breiten Strichen und einem dunklen, fast abgründigen Hintergrund deutlich abzeichnet. Dieser Expressionismus, bei dem der Körper leicht deformiert ist und der Gott zu einer Mischung aus Tier und Mensch wird, hat die zeitgenössische Malerei inspiriert.
Als Kuriosität befand sich Saturn, wie auch andere schwarze Gemälde, an einer der Wände der Quinta del Sordo (laut den Fotografien des Franzosen Jean Laurent befand sich dieses Werk auf der linken Seite des Fensters im Erdgeschoss des Gebäudes).
📍Standort: Raum 067
Die Säuglinge Isabel Clara Eugenia und Catalina Micaela, Alonso Sánchez Coello
Hier sind sie: die Töchter von Philipp II. und Isabella von Valois. Dieses Porträt wurde um 1575 von Alonso Sánchez Coello gemalt, einem der Hofmaler (der die beiden schon in jungen Jahren mehrfach malte). Das Gemälde ist ein Beispiel für das klassischste und normativste Hofporträt, d. h. ein nüchterner Stil, der nicht nur die charakteristischen Merkmale des Dargestellten, sondern auch seine Umgebung und die damalige Gesellschaft widerspiegelt (fast so, als handele es sich um ein dokumentarisches Gemälde mit Hinweisen auf die königlichen Eigenheiten der damaligen Zeit).
Im Hintergrund ein Tisch (mit einem grünen Teppich bedeckt). Im Vordergrund die beiden Figuren in der gleichen Ebene, reich gekleidet und mit Schmuck um den Hals und im Haar. Dieses Porträt hat etwas Beunruhigendes: Es handelt sich um zwei Mädchen, deren Gesichter ausdruckslos zu sein scheinen. Die Ernsthaftigkeit, oder besser gesagt die Ausdruckslosigkeit, zusammen mit den kalten Farben und der fahlen Haut, machen das Gemälde von Sánchez Coello zu einer Absichtserklärung: Distanz und Strenge sind das, was die Monarchie mit diesem Porträt vermitteln wollte.
Welche ist Ihrer Meinung nach die jüngere Schwester? Wir können es aus ihrem Blick ableiten: Die ältere bricht den Pakt mit der vierten Wand und schaut den Maler direkt an; die jüngere blickt in die Unendlichkeit und versucht, den von ihrer Schwester dargebotenen Blumenkranz zu erreichen. Ein Kuriosum: Dieses Gemälde inspirierte den Namen des Podcasts über Barockdramen und historischen Klatsch und Tratsch, Philipps Töchter.
📍Standort: Raum 055
Isabella von Valois hält ein Porträt von Philipp II., Sofonisba Anguissola
Wenn wir mit der Familie Philipps II. weitermachen und nicht den Raum wechseln müssen, stoßen wir auf ein Gemälde im Gemälde. Dieses Porträt von Sofonisba Anguissola, der dritten Ehefrau des Monarchen, ist ein wahres Meisterwerk an Details und Talent.
Es zeichnet sich durch die Sorgfalt aus, mit der die Kleidung angelegt wurde, und durch den Reichtum, den Anguissola mit jedem Strich zu vermitteln weiß: ein schwarzes, mit Rubinen und Diamanten besetztes Sacktuch, mit silbernen und goldenen Manschetten, Samtapplikationen, die in ihr Haar geflochtenen Juwelen… In ihrer rechten Hand hält Isabella de Valois eine Art Medaillon mit dem Porträt ihres Mannes. Diese Miniatur ist so detailliert, dass man sogar die Zehenspitze um den Hals von Philipp II. erkennen kann.
Diese Miniaturporträts des Monarchen wurden von Isabella de Valois bei Sánchez Coello in Auftrag gegeben. Seltsamerweise wurde das Gemälde zunächst ihm zugeschrieben, aber eine Studie von Röntgenaufnahmen und das Aussehen in Bleiweiß weisen darauf hin, dass es das Werk von Anguissola ist, der die Königin zuvor porträtiert hatte.
📍Standort: Saal 055
Dieser Artikel wurde von Isabel Nieto, Helena Menéndez, María F. Carballo und Elena Francés verfasst.